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Monica Silva: Il ritratto creativo nell’era del selfie

Incontro con Monica Silva: 16 Aprile 2018 Ore 18:15 IED Aula S10

Via Amatore Sciesa 4 Milano

Per iscriverti e partecipare clicca qui.


Non esiste la fotografia artistica. Nella fotografia esistono, come in tutte le cose, delle persone che sanno vedere e altre che non sanno nemmeno guardare.”

Nadar



L’autoritratto è il genere artistico che meglio di altri contraddistingue la nostra epoca. Ci sono libri che offrono un’ampia panoramica storico-culturale dell’autoritratto a partire dall’antico mito di Narciso e dai cosiddetti «autoritratti di Cristo» fino al proliferare di autoritratti di artisti contemporanei a dimostrazione come l’atto di ritrarsi faccia parte di una tradizione lunga secoli.

Oggi lo chiamiamo volgarmente ‘selfie’, ma pochi sanno che l’autoritratto fa parte spesso inconsapevolmente di un percorso di autoanalisi ma anche il modo più facile per mettere fuori la creatività e creare progetti interessanti mai pensati prima. La fotografa Monica Silva condurrà un talk sulla creatività fotografica con un approfondimento sulla storia degli autoritratti nella storia dell’uomo e racconterà i suoi progetti più ambiziosi e aneddoti sul suo speciale rapporto con il ritratto e come trovare la giusta strada creativa.

Monica Silva è una fotografa brasiliana riconosciuta internazionalmente per i suoi ritratti di carattere psicologici. Ha scattato per le principali riviste e quotidiani come Vanity Fair, Panorama, Il Corriere della Sera, The Sunday Times Corea, Rolling Stone, Le Figarò. Ha creato progetti complessi di rilettura di grandi artisti per mostre in Italia e all’estero. Ha svolto conferenze sulla psicologia nel ritratto in Italia ed oltre oceani ottenendo sempre grandi riscontri di pubblico e di critica.

 

Alexander Rodchenko a Palazzo Te, Mantova

LA SCALINATA, 1930 - © A. Rodchenko – V. Stepanova Archive/ Multimedia Art Museum, Moscow

La mostra “Alexander Rodchenko. Revolution in photography”, ospitata a Palazzo Te a Mantova dal 29 marzo al 27 maggio 2018, presenta una raccolta di circa centocinquanta fotografie dai negativi originali degli anni Venti e Trenta del grande maestro russo, esponente di primo piano dell’avanguardia sovietica del XX secolo.

Il movimento dell’avanguardia in Russia costituisce un fenomeno unico nel Novecento. La stupefacente energia creativa espressa dai suoi esponenti continua ad alimentare la cultura artistica contemporanea. Alexander Rodchenko (1891 – 1956) è stato incontestabilmente uno dei principali generatori di idee di quella stagione straordinaria, incarnando lo spirito dell’epoca. Tutti i campi artistici pervasi dal suo talento – la pittura, il design, il teatro, il cinema, la tipografia e la fotografia – ne sono stati trasformati aprendo vie di cambiamento radicalmente innovative.


DIMOSTRAZIONE IN VIA MIASNITSKAYA (M-metro), 1932 – © A. Rodchenko – V. Stepanova Archive/ Multimedia Art Museum, Moscow

“Il nostro dovere è sperimentare”
Alexander Rodchenko


Gli obiettivi di vita da lui stesso formulati nei saggi teorici, il vettore per il progresso che ha attivato e la sua capacità di sognare il futuro risultano ancor oggi di grande importanza.

Le fotografie esposte nelle Fruttiere della villa di Giulio Romano, provenienti dalla collezione del Multimedia Art Museum, Moscow e selezionate dalla curatrice Olga Sviblova, documentano il ruolo rivoluzionario di Alexander Rodchenko nell’ambito della fotografia.  Introducendo il pensiero concettuale e l’ideologia costruttivista, l’artista sovietico determina un cambiamento radicale del modo di concepire la natura della fotografia e il ruolo del fotografo: anziché mero riflesso della realtà, la fotografia diviene anche uno strumento per la rappresentazione visiva di costruzioni intellettuali dinamiche. Nella sua opera fotografica la composizione si coniuga con un approccio documentario autentico e con la capacità di cogliere istantaneamente le sensazioni dell’uomo moderno.


RAGAZZA CON UNA “LEICA”, 1934 – © A. Rodchenko – V. Stepanova Archive/ Multimedia Art Museum, Moscow

La “rivoluzione” operata dall’artista – che spinge la critica a definirlo “il padre della fotografia sovietica” – dà forma a uno stile e a un linguaggio visivo del tutto unici, combinando gli espedienti formali del “Metodo Rodchenko” – tra questi la composizione diagonale da lui scoperta, la prospettiva scorciata, punti di ripresa insoliti dal basso verso l’alto e viceversa, l’ingrandimento di dettagli – e una componente romantica che ispira il suo pensiero utopico.

Il talento multiforme e innovativo di Rodchenko trova espressione in uno specifico insieme di temi a lui cari, quali la vitalità della città, la bellezza della tecnologia e dell’architettura moderna, l’industria, il teatro, il circo e lo sport.

PERCORSO MOSTRA

Il percorso espositivo a Palazzo Te si apre con  l’Autoritratto caricaturale del 1922, esposto accanto a un corpus di ritratti, in cui appaiono anche amici e familiari, e alle famose fotografie La scalinata (1930) e Ragazza con una Leica (1934), che incarnano integralmente i principi innovativi del suo “metodo”.

L’itinerario di mostra prosegue con una selezione di immagini sulla realtà industriale raccolte nelle short series: Fabbrica di automobili AMO del 1929, dedicata al settore dell’industria automobilistica; MoGES (Centrale Elettrica di Mosca), che documenta la nuova centrale elettrica eretta nel 1927 e il lavoro degli operai. La verticalità delle moderne costruzioni viene ripresa nelle fotografie di architetture e particolari costruttivi, come la celebre Scala antincendio (con un uomo) del 1925.

Le spettacolari parate di ginnasti e atleti sono protagoniste degli scatti che raccontano lo spirito dinamico e la nascente coesione sociale degli anni Trenta in Russia.

La nuova attenzione rivolta da Rodchenko al dettaglio permette di mettere in luce l’armonia delle architetture e delle nuove forme create dalla tecnologia, illustrata in mostra con l’immagine della Torre Shukhov del 1929 e con la short series Fabbrica di lampadine elettriche di Mosca realizzata a cavallo degli anni Venti e Trenta.


LA SCALINATA, 1930 – © A. Rodchenko – V. Stepanova Archive/ Multimedia Art Museum, Moscow

La nuova Mosca è documentata con le fotografie della costruzione del Parco della Cultura e della asfaltatura delle strade di Leningrado, e con le immagini di edifici simbolo, quali quello progettato da Ginzburg sul viale Novinski e quello del Mosselprom.

La fotografia di stampo giornalistico è testimoniata dagli scatti dei fotoreportage all’interno dell’ufficio editoriale e dell’archivio del giornale “Gudok” (1928) e quello sui lavori di costruzione di grandi imprese ingegneristiche, in particolare la costruzione del canale che collega il Mar Bianco con il Mar Baltico.

Con le acrobazie degli artisti del circo si conclude una narrazione fotografica di grande suggestione, fortemente rappresentativa dello spirito dei nuovi tempi.

L’intera opera fotografica di Rodchenko mette in luce l’obiettivo principale della sua poetica: la trasformazione del presente in nome del futuro e la possibilità di una positiva trasfigurazione del mondo e dell’umanità.

“Io ho creato oggi per poi, domani, cercare il nuovo, – scrive Rodchenko – anche se esso sembrerà nulla in confronto a ciò che è stato fatto ieri. In compenso dopodomani supererò ciò che è stato fatto oggi”.

In tutta la storia della fotografia russa della prima metà del XX secolo, Alexander Rodchenko è l’unico ad aver lasciato, attraverso gli articoli e i diari, testimonianze incomparabili: riflessioni sull’arte di un fotografo-pensatore, partecipe di un cataclisma storico che aveva generato in lui un conflitto drammatico tra presupposti consci e un’inconscia pulsione a creare.

La mostra “Alexander Rodchenko. Revolution in photography” è prodotta e organizzata dal Ministero della Cultura della Federazione Russa, dal Comune di Mantova, dal Centro Internazionale d’Arte e di Cultura di Palazzo Te, dal Museo Civico di Palazzo Te e dal Multimedia Art Museum, Moscow, con la collaborazione dell’Istituto Italiano di Cultura di Mosca, in sinergia con Russian Seasons.

Festival Fotografico Europeo 2018: gli eventi della seconda settimana

Il Festival Fotografico Europeo entra nella sua seconda settimana di eventi e attività: andiamo a scoprire insieme i prossimi appuntamenti.

Mercoledì 28 marzo 2018 – Galleria Arti Visive Università del Melo (Via Magenta, 3 – Gallarate)
Ingresso libero, opening ore 18

NINO LETO: Storie di un fotoreporter

Breve conferenza: stili e linguaggi tra passato e presente nel FOTOGIORNALISMO con proiezioni, a cura di Claudio Argentiero.



Mercoledì 28 marzo 2018 – Palazzo Leone da Perego (via Gilardelli, 10 – Legnano)
ingresso libero, dalle ore 21

VITA DA SCIANNA.

Ferdinando SCIANNA dialoga con Carlo OTTAVIANO, giornalista



Giovedì 29 marzo 2018 – Bottega Artigiana (via Zappellini, 4 – Busto Arsizio)
ingresso libero, opening ore 18

MONTAGNE VERDI

del fotografo cinese Ye Wenlong



Giovedì 29 marzo 2018 – Palazzo Marliani Cicogna (Piazza Vittorio Emanuele II Busto Arsizio)

ingresso libero, conferenza-incontro con il fotoreporter alle ore 21

GIANMARCO MARAVIGLIA dialoga con la giornalista TAMARA FERRARI

Proiezione, approfondimenti, visita guidata alla mostra.



 

Entra nel vivo il Festival Fotografico Europeo!

Fino al 22 aprile 2018



Il festival, giunto alla sua 7a edizione , ideato e curato dall’Afi-Archivio Fotografico Italiano, evento posto “sotto l’alto patrocinio del PARLAMENTO EUROPEO”, con il patrocinio della Provincia di Varese e delle Amministrazioni comunali di Legnano, Busto Arsizio, Castellanza, Olgiate Olona, Cairate, Varese, Milano-Municipio 6, con il partenariato di FUJIFILM Italia, European Image Art Association, DIGIMAG-Grenoble, Festival Européen de la Photo de Nu di Arles, con la collaborazione del Museo MA*GA della città di Gallarate, delle Officina Open Galleria Università del Melo di Gallarate, dell’Istituto Italiano di Fotografia di Milano, di Phographers.it, della Fondazione 3M, Fondazione AEM Gruppo a2a, con l’apporto tecnologico di EPSON Italia, STAMPA-SU- TELA.it, PUNTO MARTE EDITORE, e con la partecipazione di numerose associazioni, gallerie, scuole e realtà private tra cui: mc2Gallery-Milano, 29 Arts in Progress Gallery-Milano, Spazio Tadini-Milano, Liceo Artistico Paolo Candiani e Liceo Classico Crespi di Busto A., IIS Falcone di Gallarate, ISISS Don Lorenzo Milani di Tradate, Galleria Libreria Boragno di Busto A., Fondazione Bandera per l’Arte di Busto A., Centro Giovanile Stoa’ di Busto A., Spazio d’Arte Carlo Farioli di Busto A., Bottega Artigiana di Busto A., Studio Albè & Associati-Busto A. e Milano, Spazio Lavit-Varese, Associazione Culturale BARICENTRO – Milano, si pone tra le iniziative più rilevanti nel panorama fotografico nazionale ed europeo, proponendo percorsi visivi articolati, aperti alle più svariate esperienze espressive.


Una sorta di laboratorio culturale, che si apre all’Europa, che dialoga con la gente attraverso l’arte dello sguardo e mette a fuoco le aspirazioni, i linguaggi e l’inventiva di artisti provenienti da diversi Paesi.
Un progetto che vuole affermare la centralità della cultura quale potente dispositivo in grado aprire confronti tra i popoli e tra le generazioni in una prospettiva di crescita, riflessione e dialogo guidati dall’impegno sociale, dallo studio, dalla voglia tracciare un percorso comune di crescita e sviluppo.


Grandi autori divengono il faro per i giovani emergenti, in un confronto dialettico teso a stimolare dibattiti e ragionamenti, attorno a temi d’attualità, di storia, d’arte e di ricerca.
Oltre quaranta mostre, seminari, workshop, proiezioni, multivisioni, letture dei portfolio, presentazione di libri, concorsi.
Un programma espositivo articolato che muove dalla fotografia d’archivio al reportage d’autore, dalla fotografia d’arte all’architettura, dalle ricerche creative alla documentazione del territorio.


Maggiori informazioni e programma completo sul sito ufficiale del festival: eurofotofestival.archiviofotografico.org.

A Massa gli scatti “surrealisti” di Bart Herreman fino al 4 marzo

A Massa gli scatti “surrealisti” di Bart Herreman

Il fotografo belga apre il ciclo espositivo 2018 di Palazzo Ducale con la mostra “L’Irreale realtà”. 

 fino al 4 marzo


Sabato 20 gennaio è stata inaugurata la mostra  L’Irreale realtà del fotografo belga Bart Herreman. 

La mostra, visibile fino al 4 marzo nelle sale del Palazzo Ducale di Massa (Ms), rappresenta il  primo evento del nuovo ciclo espositivo 2018 sulla “comunicazione dell’arte contemporanea” promossa dal Comune di Massa con la direzione artistica di Mauro Daniele Lucchesi dell’associazione Quattro Coronati.

Bart Herreman, fotografo belga trapiantato a Milano, ha ben presente quello che è ed è stato il significato e il senso del manifesto surrealista: “Automatismo psichico puro, attraverso il quale ci si propone di esprimere…il reale funzionamento del pensiero. Comando del pensiero, in assenza di qualsiasi controllo esercitato dalla ragione…”.  Nelle foto di Herreman traspare con forza la lezione dei “maestri” del surrealismo; nelle immagini sconnesse e connesse insieme, che dicono tutto e niente, insignificanti o piene di simboli troviamo il geometrismo impazzito o ordinato di Mirò lasciando all’osservatore la facoltà di decidere cosa vedere (vedi l’opera “Ivo”); da Ernst l’intreccio delle immagini e delle situazioni che spiazzano il pubblico che non riesce a “uscire” da quell’apparente illogicità (vedi l’opera “Mystic River”); da Magritte il piacere di giocare con le immagini combinando il reale con il fantastico (come ad esempio nell’opera “Smoke” dove una giraffa solitaria con la testa tra le nuvole “visita” il salone dei ricevimenti della Venaria di Torino); da Dalì la straordinaria capacità eclettica della “trasformazione” delle immagini.



“Bart Herreman, con le sue fotografie – spiega Mauro Daniele Lucchesi – colme di straordinaria capacità realizzativa, ci svela il suo mondo immaginario fatto di convivenze impossibili, uomini sbigottiti e animali disinvolti, stimolando o meglio facendo riemergere dall’ “io” di chi guarda l’irreale realtà, di stimolare l’immaginazione sopita, di imporre allo sguardo la rappresentazione di qualcosa che oltrepassa il reale, una sorta di viaggio infinito senza limiti di tempo e luoghi.


Per maggiori informazioni su visite e orari clicca qui

Addio Romano Cagnoni. Ci lascia il fotoreporter italiano più conosciuto all’estero.

di Enrico Ratto


Nato nel 1935 a Pietrasanta, Romano Cagnoni è stato e sarà ricordato come uno dei fotografi più importanti del Ventesimo secolo. Già nel 1978 era stato citato insieme a Henri Cartier-Bresson, Bill Brandt, Don McCullin ed Eugene Smith come uno dei più grandi fotografi del mondo nel libro “Pictures on a Page” di Harold Evans, ex direttore del Sunday Times.



Sfuggito alla strage di Sant’Anna di Stazzema, alla fine degli anni’50 si trasferisce a Londra dove, nello studio di Simon Guttmann, pone le basi per la professione e da dove, dopo un decennio partirà per essere in prima linea e documentare i maggiori conflitti internazionali della nostra storia, dal Biafra, al Vietnam, ai mutamenti politici del Sudamerica – dove realizza un lungo reportage insieme a Graham Greene – fino alle più recenti guerre nella ex Jugoslavia e in Cecenia.



I reportage e le copertine di Romano Cagnoni sono apparse sulle più importanti riviste del secolo, dal Sunday Times a Life Magazine, da Paris Match a Stern, alle italiane Epoca e l’Espresso. Nel 1965 è stato il primo fotografo occidentale ammesso nel Vietnam del Nord, dove ha potuto fotografare Ho Chi Minh, il quale acconsentì a farsi ritrarre perché riconobbe in Romano Cagnoni “un ottimista, e gli ottimisti sono buoni rivoluzionari”.



Ha fatto proprio il concetto di Fotografia Totale, la più alta espressione che la fotografia possa raggiungere. “La Fotografia Totale racconta la storia dell’uomo, il rapporto con se stesso, con il prossimo e la società in cui vive.” ha scritto.

Nell’arco di più di sessant’anni trascorsi attraverso il mondo per documentare la condizione umana, le guerre, le rivoluzioni, Romano Cagnoni ha sempre sentito la necessità di realizzare una fotografia interessante, valida, soddisfacente da un punto di vista intellettuale.



“Ho sempre avuto questo tipo di mente perché anche da ragazzino leggevo libri seri. Il lavoro del fotografo è  raccontare quello che trova. Deve andare sul posto e  raccontare la verità attraverso le storie degli uomini” ha detto durante una delle sue ultime interviste. “In guerra tutti gli impulsi degli esseri umani sono costretti a rivelarsi. Non ci sono le tonalità e le sfumature del tempo di pace. Anche chi non combatte è soggetto alla guerra. E la macchina fotografica è lo strumento ideale per fermare questi  stati d’animo.”



La notizia della scomparsa del grande autore risale a poche ore fa e ci lascia tutti sgomenti. Soprattutto quanti hanno avuto l’onore di conoscere questo fotografo, ricorderanno la schiettezza nel condividere le proprie opinioni, la lucidità nell’analisi dei fatti del mondo contemporaneo e la curiosità perenne nei confronti del lavoro di altri fotografi, anche di quelli meno esperti, cui ha sempre dedicato attenzione, senza mai mancare all’appuntamento fisso con la riflessione, lo studio e l’approfondimento delle ricerche in ambito visivo. Voleva capire sempre di più Romano, voleva andare sempre più a fondo, voleva entrare nei fatti, nelle storie, cercando di restituirle nella sua interezza senza edulcorarle, senza ometterne alcun aspetto, con animo battagliero, che ostinatamente combatteva, senza misure e compromessi, la menzogna di una fotografia che non narrasse la verità del reale.

Museo del Paesaggio di Torre di Mosto | Il tesoro è sempre più grande di quello che hai stretto tra le mani

Pedro Vaz, Segunda Natureza, 2017, still da video. Doppia proiezione video, (2x) 1080x1440px, 4/3, loop. Doppia struttura di proiezione, (2x) 120x160x70cm. Legno, tela per proiezione.
Il tesoro è sempre più grande di quello che hai stretto tra le mani
Federica Landi, Victor Leguy, Pedro Vaz, Marco Maria Zanin
a cura di Carlo Sala
Museo del Paesaggio di Torre di Mosto
Torre di Mosto, Località Boccafossa
28 gennaio – 25 febbraio 2018
opening 27 gennaio 2018, ore 18.00

Il Museo del Paesaggio di Torre di Mosto, in provincia di Venezia, ospita la mostra collettiva Il tesoro è sempre più grande di quello che hai stretto tra le mani che riunisce le opere di Federica Landi (Rimini, 1986), Victor Leguy (San Paolo, 1979), Pedro Vaz (Maputo, 1977), Marco Maria Zanin (Padova, 1983).

I quattro artisti presentano in mostra lavori inediti realizzati nel corso di Humus Interdisciplinary Residence, piattaforma interdisciplinare che ha come scopo lacontaminazione tra il mondo dell’arte contemporanea e quello di territori “al margine”, ancora estremamente legati al rapporto con l’agricoltura, le tradizioni del mondo contadino, il paesaggio, la terra intesa nel senso primario del termine.
Grazie a un periodo immersivo passato nella zona rurale del Veneto orientalecompresa tra i comuni di Torre di Mosto, Eraclea e Caorle, in provincia di Venezia, a stretto contatto con la popolazione locale, gli artisti hanno potuto operare una rilettura delle identità locali attraverso l’arte in dialogo con diverse discipline. Un processo di narrazione che è anche strumento di creazione di consapevolezza e lo sviluppo della comunità stessa in futuro.

Pedro Vaz, Segunda Natureza, 2017, still da video. Doppia proiezione video, (2x) 1080x1440px, 4/3, loop. Doppia struttura di proiezione, (2x) 120x160x70cm. Legno, tela per proiezione.

Se il lavoro di Pedro Vaz, paesaggista, si è centrato sulla rappresentazione di un tratto del fiume Livenza, Federica Landi, Victor Leguy e Marco Maria Zanin hanno deciso di focalizzarsi sulla rilettura e la narrazione in senso contemporaneo del patrimonio di oggetti appartenenti al Museo della Civiltà Contadina della piccola località di Sant’Anna di Boccafossa, che gli artisti hanno visto come una potenziale attrattiva per attività di educazione, turismo e ricerca.In mostra saranno esposte una serie di fotografie di Federica Landi, una installazione di Victor Leguy, una video installazione e due grandi pitture di Pedro Vaz, fotografie e sculture di Marco Maria Zanin. Ci sarà inoltre una installazione collettiva realizzata dagli artisti Federica Landi, Victor Leguy e Marco Maria Zanin secondo il modello deldeMuseo, dispositivo che mira a ripensare l’idea tradizionale di museo inteso come ente conservativo statico, divenendo al contrario un “organismo” dinamico dove le esperienze collettive sono il fondamento per raccogliere ed elaborare la storia e la memoria locale, che possa fungere da volano per fortificare l’identità e la coesione sociale di un territorio.
L’attività di rilettura dell’identità locale condotta da Humus Interdisciplinary Residencenel Veneto Orientale è stata individuata da VeGAL (Agenzia di sviluppo del Veneto Orientale) nell’ambito del Piano di comunicazione del Programma di Sviluppo Locale (PSL) Leader 2014/2020 “Punti, Superfici e Linee” che VeGAL gestisce nel territorio, con l’obiettivo di aumentare la qualità della vita e le opportunità di lavoro per la popolazione locale, in particolare i giovani, finanziando progetti che investono sul patrimonio ambientale, storico, culturale, agroalimentare del territorio.
Il progetto Humus Interdisciplinary Residence è nato nel 2015 su iniziativa dell’artistaMarco Maria Zanin e coinvolge Carlo Sala, curatore e critico d’arte, e Michele Romanelli, psicologo e mediatore di conflitto. 
In occasione del seminario di conclusione dei lavori che avrà luogo il 25 febbraio 2018alle ore 17.00 verrà presentata la pubblicazione contenente i testi critici, le immagini del processo artistico e delle opere.


Federica Landi, Shell, 2017, stampa fine art su carta cotone, 70×100 cm

Il tesoro è sempre più grande di quello che hai stretto tra le mani
artisti: Federica Landi, Victor Leguy, Pedro Vaz, Marco Maria Zanin
a cura di: Carlo Sala
sede: Museo del Paesaggio di Torre di Mosto
indirizzo: Torre di Mosto, Località Boccafossa (Venezia)
date: 28 gennaio – 25 febbraio 2018
opening: 27 gennaio 2018, ore 18.00
orari: sabato: 16-19 e domenica: 10.00-12.00 / 16-19. Dal lunedì al venerdì su appuntamento. 
visite guidate: domenica 28 gennaio, 4, 11 e 18 febbraio dalle 15.00 alle 18.00

SetUp Contemporary Art Fair torna con la sua sesta edizione ad animare l’art week bolognese dal 1 al 4 febbraio 2018

SetUp Contemporary Art Fair – rivoluzionaria fiera d’arte contemporanea unica a livello nazionale e internazionale – torna anche quest’anno con la sua sesta edizione ad animare l’art week bolognese dal 1 al 4 febbraio 2018 in una rinnovata sede: Palazzo Pallavicini, meravigliosa dimora di origine rinascimentale nel cuore della Bologna antica.



Per quest’anno SetUp dedica ampio spazio alla fotografia: dopo il grande successo della passata edizione, l’associazione Tiziano Campolmi rinnova la sua presenza a SetUp Contemporary Art Fair promuovendo il Premio Tiziano Campolmi, con l’intento di valorizzare il lavoro di un giovane artista che porti avanti la sua ricerca nell’ambito della fotografia. L’associazione corrisponderà all’artista selezionato una somma fino a 2500 euro, pari al valore massimo dell’opera fotografica premiata, che verrà acquistata dalla stessa con consegna all’atto della proclamazione.



SetUp Contemporary Art Fair è un evento unico nel suo genere, dove poter conoscere le nuove tendenze artistiche e vedere l’arte contemporanea emergente proveniente da tutto il mondo in una location storica, meravigliosa e centrale, per la prima volta cornice di questa importante fiera d’arte indipendente.


Per ulteriori dettagli visita inviamo al sito ufficiale della fiera cliccando qui 

Al Politecnico di Bari la mostra Jerusalem del fotografo Giovanni Chiaromonte

Il 26 gennaio, in occasione della cerimonia inaugurale dell’Anno Accademico 2017/18 del Politecnico di Bari, presso il Museo della Fotografia è stata inaugurata la mostra Fotografica JERUSALEM di Giovanni Chiaramonte integrata dalle Poesie di Umberto Fiori.



Le immagini di Giovanni Chiaramonte si scostano dalla consuetudine ripetitiva se non addirittura banale, di una rappresentazione dei luoghi storici della cristianità. Non sono gli scatti del turista o del reporter superficiale che propongono le medesime icone abitualmente presentate dai “media” come ad esempio il Muro del pianto, l’ingresso al Santo Sepolcro, la Cupola sulla roccia, l’Orto degli Ulivi etc.

Il luogo di partenza del pellegrinaggio di Giovanni Chiaramonte a Gerusalemme è stato Berlino, città in cui l’artista ha trascorso negli anni ottanta un lungo soggiorno per realizzare un’opera fotografica in vista di una mostra internazionale alla Gropius Bau sul tema della ricostruzione della città europea e in particolare di Berlino.

Fu lì che G. Chiaramonte (come egli stesso afferma) si rese conto che la tragedia tedesca della Shoah aveva avuto inizio più di un secolo prima di quando realmente avvenne, ovvero quando si decise di costruire la capitale tedesca secondo il modello di Atene e Roma, eliminando l’esempio di umanità che aveva donato Gerusalemme alla civiltà europea.

Quelle di “Jerusalem” sono immagini di una profonda riflessione dell’autore sulla vita dell’Uomo, attraverso la ricerca di quelle “tracce” riconosciute guardando le persone, i bambini, i turisti, gli alberi, l’archeologia dei luoghi.

Chiaramonte sistema la sua fotocamera sul treppiede ponendosi egli stesso quale soggetto del mondo intorno a sé e attende osservando la scena, che nell’invisibile profondità del mondo interiore si configuri una dimensione della memoria e del ricordo che, grazie alla mediazione del Fotografo, diventino l’immagine esterna del Territorio e degli uomini che vi hanno vissuto.


L’esposizione,  a cura di Loredana Ficarelli – Responsabile Scientifico del Museo della Fotografia del Politecnico di Bari e da Pio Meledandri Curatore d’Arte – sarà visitabile fino al 2 febbraio.

Politecnico di Bari – Via E. Orabona, 4

INGRESSO LIBERO.

tutti i giorni dalle ore 9:00 alle 13:00 escluso la domenica

Nasce STILL YOUNG, per promuovere e valorizzare i giovani talenti

In occasione dell’ottava edizione del MIA Photo Fair sarà inaugurato un progetto innovativo e necessario. Si tratta di STILL YOUNG, promosso e gestito da Alessandro Curti che, a partire dalle sue esperienze curatoriali, ha intuito ciò che può arricchire il panorama fotografico italiano, queste le sue parole: “Il progetto nasce per colmare il vuoto che impedisce ai giovani fotografi di avere il corretto sostegno davanti a un percorso artistico e professionale complesso”.



STILL YOUNG si propone così di sostenere giovani artisti attraverso iniziative permanenti e temporanee che favoriscano la circolazione di progetti e di eventi, sia a livello nazionale sia internazionale.
L’obiettivo è quello di creare un sistema composto da giovani che lavorano per giovani, attraverso pubblicazioni editoriali, supporti curatoriali, consulenze professionali e progetti artistici innovativi per organizzare mostre, incontri, workshop ed eventi dedicati principalmente a un pubblico giovane che si affaccia al mondo della fotografia contemporanea.

Un secondo ma altrettanto fondamentale traguardo che si pone STILL YOUNG è quello di creare un dialogo e un contatto diretto tra artista e mercato della fotografia, trasformando la conoscenza creativa e culturale in opportunità professionali, per favorire la ricerca e lo sviluppo di nuovi progetti artistici.

STILL YOUNG inaugurerà il 9 marzo 2018 in occasione del MIA Photo Fair, lo stand ospiterà l’esposizione Tre artisti | Tre visioni con le opere di Gaia Squarci (Stromboli, Iddu), giovane fotografa e regista che vive e lavora tra Milano e New York, con un background che unisce storia dell’arte e fotogiornalismo, il suo lavoro si concentra su progetti di fotografia documentaria e performance; Marta Giaccone (Ritorno all’isola di Arturo) le cui ricerche si concentrano generalmente su temi inerenti ai giovani, alla famiglia e alle donne, per i suoi lavori usa macchine di medio e grande formato che permettono un approccio più intimo e riflessivo; Carlo Alberto Giardina (Finnycar), in arte FinnanoFenno, uno degli illustratori digitali con i lavori più colorati e divertenti del social network di fotografia diventato presto un cult su Instagram seguito da più di 42mila utenti in tutto il mondo.



Il progetto proseguirà il 24 maggio 2018 con la mostra personale di Marta Giaccone Ritorno all’isola di Arturo.

Luigi Corda: Sant’Efisio Ad Attrus Annus

Ad Attrus Annus Publisher Silvana Editoriale
Da 360 anni si svolge in Sardegna un raduno delle sue genti che s’incontrano per solennizare il Martire Efisio.
Sant’Efisio Ad Attrus Annus è un progetto editoriale e una mostra fotografica che, attraverso le foto inedite in bianco e nero del fotografo Luigi Corda, ci porta all’interno di una dimensione temporale quasi passata.


Ad Attrus Annus Publisher Silvana Editoriale

Il viaggio fotografico lungo sei anni racconta le vicissittudini della festa religiosa più importante della Sardegna, unica nel suo genere per sfarzo e dimensioni e tra le più grandi in Europa.
Protagonisti del libro, oltre all’amato Efisio, sono proprio le sue genti, che con dedizione e devozione ogni anno si adoperano affinché venga sciolto il voto fatto nel 1652, liberando cosè la città e l’isola dalla peste.


Ad Attrus Annus Publisher Silvana Editoriale

Le immagini in bianco e nero di alcuni dei momenti più salienti vogliono rappresentare uno spaccato sociale di un evento che nel tempo appare sempre uguale ma sempre diverso.
Il catalogo accoglie un’introduzione dell’arciconfratello onorario Antonio Salis.


Ad Attrus Annus Publisher Silvana Editoriale

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Dal 16 al 19 gennaio 2018

Inaugurazione martedì 16 gennaio 2018, ore 18.30
STILL Fotografia – via Balilla 36, 20136 Milano
Lun – ven 9 – 13 | 14 – 18
Ingresso libero
press@stillfotografia.it
www.stillfotografia.it
info@stilllove.it
02 36 74 45 28

 

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