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Andy Summers in mostra alla Leica Galerie Milano con “Mysterious Barricades”

Il celebre chitarrista dei Police arriva in Italia e presenta il racconto fotografico della sua vita tra note malinconiche e sfumature dark.

“Music and photography are kindred spirits in that they are nonverbal arts, but handily, may have interchangeable terms”
A. Summers

Martedì 22 marzo alle ore 19.00 presso la Leica Galerie Milano (Via Mengoni, 4 – angolo Piazza Duomo), Leica Camera Italia inaugura la mostra “Mysterious Barricades” di Andy Summers, celebre chitarrista del gruppo The Police e apprezzato fotografo a livello internazionale.

Leica Galerie Milano invito Summers

Con la sua musica innovativa, Andy Summers ha rappresentato un vero riferimento per i musicisti di tutto il mondo. Già attivo nelle principali band londinesi, Summers raggiunge il successo nei primi anni ’80 come chitarrista del gruppo rock The Police. La sua carriera, come solista e compositore di colonne sonore, lo porta poi a collaborare con grandi artisti di fama mondiale. Pur non abbandonando mai la sua più grande passione, la musica, Andy Summers oggi è anche un rinomato scrittore e un abile fotografo. Ha infatti all’attivo mostre fotografiche di successo nelle principali gallerie internazionali: dalla Leica Gallery di Los Angeles e il Paris / LA Independent Photo Show alla Kunst.Licht Gallery di Shanghai, dalla  CCC Gallery di Pechino alla Photokina di Colonia con numerose esposizioni in programma anche per la prossima stagione.

Alla Leica Galerie Milano sarà presente con il progetto fotografico “Mysterious Barricades” ispirato all’omonimo successo musicale, che raccoglie 40 scatti in bianco e nero, immagini delicate che raccontano la vita dell’artista nella sua doppia veste di musicista e fotografo sempre in viaggio: dall’altopiano della Bolivia ai vicoli del Golden Gai di Tokyo, dalle strade di Napoli alle La mostra ripercorre i vari stadi di ispirazione fotografica di Summers, sempre influenzati dalla musica. Le immagini descrivono situazioni in sospensione o“in progress” che trasmettono un senso di intimità, tra il surreale e l’ambiguo, talvolta con sfumature oscure e note malinconiche che ricordano le sonorità delle sue melodie.

 “The photography I create is a visual counterpart to the music that never leaves my head […]
The own act of photography is as tearing pages from a book and then reshuffling the results into a new visual syntax.”
In queste parole è racchiuso il concetto di fotografia per Summers, imprescindibile dalla musica e complementare ad essa.

Dal 22 marzo al 3 maggio 2016 alla Leica Galerie Milano, attraverso le immagini di “Mysterious Barricades”, sarà quindi possibile respirare tutto l’estro creativo dell’artista in un coinvolgente binomio musica-fotografia.

Per l’occasione, l’artista sarà presente alla serata di inaugurazione.

Maurizio Orrico in mostra alla Torre Velasca di Milano

© Maurizio Orrico

Maurizio Orrico
URBAN LIGHT

Dal 15 al 24 marzo 2016 lo Spazio Museo Torre Velasca ospita Urban Lights, mostra che presenta cinque tele con neon applicati, una scultura, una serie di fotografie proiettate di Maurizio Orrico (Cosenza, 1962), artista che partendo dalla fotografia si muove sui sentieri dell’installazione e della video arte. L’appuntamento rientra nel programma di eventi culturali La Velasca in Velasca, ideato per omaggiare attraverso i più diversi linguaggi dell’arte ad uno dei simboli del paesaggio urbano milanese, icona percepita come reale segno distintivo e identitario della città.

© Maurizio Orrico
© Maurizio Orrico

Orrico conduce con le opere – in parte inedite e realizzate per l’occasione – una duplice riflessione. Da un lato osserva con uno sguardo laterale, scegliendo coni ottici e prospettive lontane da quelle consuete, scorci di architetture del passato che pure continuano a segnare in modo deciso il volto della città, benché spesso dimenticate o forse semplicemente date per scontate; dall’altro riflette sull’irrisolta tensione tra l’uomo e l’ambiente che lo circonda, sull’azione spesso aggressiva che la società compie sul paesaggio.

Una doppia visuale, quella proposta da Orrico, esplicitata a titolo esemplificativo in “Subway Stop”, tra i lavori esposti in mostra. Il profilo della Torre Velasca, fotografato con toni notturni da una prospettiva fortemente scorciata, viene riportato su tela e arricchito da interventi pittorici, infine sottolineato da inserti luminescenti che accentuano elementi particolarmente simbolici. Il profilo stesso della torre che nel rimando a quella del Filarete, che costituisce l’ingresso al Castello Sforzesco, getta un ponte tra il passato e il presente di Milano; e infine la M che contrassegna l’adiacente fermata della metropolitana. La lettera allude certo al nome della città, ma in modo molto più sottile a quello del campo di concentramento di Mauthausen, dove Lodovico Barbiano di Belgiojoso e Gian Luigi Banfi – con Peressut e Nathan Rogers fondatori del gruppo BBPR che avrebbe negli Anni Cinquanta disegnato la Velasca – furono internati. L’opera assume allora un ulteriore significato, con particolare riferimento alla figura di Banfi, che morì durante la prigionia.

In contemporanea con l’esposizione delle opere di Orrico e in un ideale dialogo con esse, nella hall della Torre viene esposta la fotografia Velasca and Clouds, con cui William Batsford si è classificato terzo nella categoria Cityscape all’edizione 2015 dell’International Photography Award.

La mostra Urban Lights nello Spazio Museo e l’esposizione di Velasca and Clouds nella hall, costituiscono un ulteriore tassello del processo di valorizzazione della Torre Velasca fortemente voluto dal Gruppo Unipol, dal 2012 proprietario dell’immobile. Un processo iniziato con Opening Velasca durante il periodo di Expo che intende rimettere di nuovo al centro del dibattito culturale la Torre Velasca riportandola ad essere una delle protagoniste della realtà non solo milanese ma nazionale.

Torre Velasca torna così ad essere di nuovo un luogo di cultura, confronto e sperimentazione proprio grazie al nuovo impulso dato dal Gruppo Unipol.

Torre Velasca è parte di Urban Up, il progetto di riqualificazione immobiliare del Gruppo Unipol volto a valorizzare alcuni tra i più importanti edifici del Gruppo.


MAURIZIO ORRICO – Nasce a Cosenza nel 1962. Nei primi anni novanta i frequenti viaggi negli Stati Uniti lo portano a realizzare importanti mostre collettive, tra cui la sua prima personale a New York nel 1994. Dopo l’esordio pittorico, si concentra sulla fotografia analogica e digitale e sull’utilizzo di altri mezzi espressivi quali la scultura, installazione e video art. È tra i membri fondatori del PSL (Pluri Sensorial Laboratory), un laboratorio che si occupa di tecniche relative alla riduzione di anomalie percettive. Questo laboratorio inizia attraverso una ricognizione sistematica del “concetto sensoriale”: un concetto limitativo per i portatori di sensi. Il laboratorio PSL indaga e apre la ricerca verso un lavoro continuo sulle “tecniche di presentazione”, definite come ampliamento del quadro o spettro sensoriale. La rappresentazione e la costruzione della galleria tattile, vuole semplicemente ricordare, anche, il contributo di artisti come Degas, Munch, Monet, Farrel, Meyron e Silvestro Lega, a loro modo tutti diversamente abili.

Info

URBAN LIGHTS
Milano, Spazio Museo Torre Velasca, p.zza Velasca, 5
15 – 24 marzo 2016
Orari: da lunedì a venerdì, 17.30 – 21.00
Ingresso libero

Helmut Newton a Venezia – Casa dei Tre Oci

Bergstrom over Paris, 1976 © Helmut Newton Estate

HELMUT NEWTON

WHITE WOMEN – SLEEPLESS NIGHTS – BIG NUDES

TRE OCI – VENEZIA dal 07.04 al 07.08.2016

La Casa dei Tre Oci, un progetto di Fondazione di Venezia, condotto in partnership con Civita Tre Venezie, con questa mostra conferma il proprio ruolo nel panorama della cultura artistica e della fotografia in particolare, con i propri spazi esclusivamente dedicati alla fotografia.

Dal 7 aprile al 7 agosto 2016, la mostra Helmut Newton. Fotografie. White Women / Sleepless Nights / Big Nudes presenta, per la prima volta a Venezia, oltre 200 immagini di Helmut Newton, uno dei fotografi più importanti e celebrati del Novecento.

L’esposizione, curata da Matthias Harder e Denis Curti, organizzata da Civita Tre Venezie in collaborazione con la Helmut Newton Foundation, è frutto di un progetto, nato nel 2011 per volontà di June Newton, vedova del grande fotografo.

La rassegna raccoglie le immagini di White Women, Sleepless Nights e Big Nudes, i primi tre libri di Newton pubblicati alla fine degli anni ‘70, volumi oggi considerati leggendari e gli unici curati dallo stesso Newton.

Nel selezionare le fotografie, Newton mette in sequenza, l’uno accanto all’altro, gli scatti compiuti per committenza con quelli realizzati liberamente per se stesso, costruendo una narrazione in cui la ricerca dello stile, la scoperta del gesto elegante sottendono l’esistenza di una realtà ulteriore, di una vicenda che sta allo spettatore interpretare.

White Women

In White Women, pubblicato nel 1976, Newton sceglie 81 immagini (42 a colori e 39 in bianco e nero), introducendo per la prima volta il nudo e l’erotismo nella fotografia di moda. In bilico tra arte e moda, gli scatti sono per lo più nudi femminili, attraverso i quali presentava la moda contemporanea. Queste visioni trovano origine nella storia dell’arte, in particolare nella Maya desnuda e nella Maya vestida di Goya, conservati al Prado di Madrid.

La provocazione lanciata da Newton con l’introduzione di una nudità radicale nella fotografia di moda è stata poi seguita da molti altri fotografi e registi e rimarrà simbolo della sua personale produzione artistica.

Sleepless Nights

Sono ancora le donne, i loro corpi e gli abiti, i protagonisti di Sleepless Nights, pubblicato nel 1978. In questo caso, però, Newton si avvia a una visione che trasforma le immagini da foto di moda a ritratti, e da ritratti a reportage quasi da scena del crimine. È un volume a carattere più retrospettivo che raccoglie 69 fotografie (31 a colori e 38 in bianco e nero) realizzate per diversi magazine (Vogue, tra tutti) ed è quello che definisce il suo stile rendendolo un’icona della fashion photography.

I soggetti, generalmente modelle seminude che indossano corsetti ortopedici, donne bardate con selle in cuoio, nonché manichini per lo più amorosamente allacciati a veri esseri umani, vengono colti sistematicamente fuori dallo studio, spesso in atteggiamenti provocanti, a suggerire un uso della fotografia di moda come puro pretesto per realizzare qualcosa di totalmente differente e molto personale.

Big Nudes

Con questo volume del 1981, Newton raggiunge il ruolo di protagonista nella storia dell’immagine del secondo Novecento.

I 39 scatti in bianco e nero di Big Nudes inaugurano una nuova dimensione della fotografia umana: quella delle gigantografie che, da questo momento, entrano nelle gallerie e nei musei di tutto il mondo.

Nell’autobiografia dell’artista pubblicata nel 2004, Newton spiega come i nudi a figura intera ripresi in studio con la macchina fotografica di medio formato, da cui ha prodotto le stampe a grandezza naturale di Big Nudes, gli fossero stati ispirati dai manifesti diffusi dalla polizia tedesca per ricercare gli appartenenti al gruppo terroristico della RAF (Rote Armee Fraktion).


INFO

Sede

Casa dei Tre Oci

Fondamenta delle Zitelle, 43
30133 Giudecca – Venezia

Vaporetto

Fermata Zitelle

Da piazzale Roma e dalla Ferrovia linea 4.1 – 2

Da San Zaccaria linea 2 – 4.2

Orari

Tutti i giorni 10– 19; chiuso martedì
tel. +39 041 24 12 332
info@treoci.org
www.treoci.org

Santu Mofokeng vince il Premio Fondazione Modena

È il fotografo sudafricano Santu Mofokeng a vincere il Premio Internazionale per la Fotografia 2016 promosso da Fondazione Fotografia Modena e Sky Arte in collaborazione con UniCredit. Mofokeng ha 60 anni e viene da Johannesburg; con la sua ricerca sulla realtà sudafricana dall’Apratheid a oggi ha contribuito in maniera significativa allo sviluppo della cultura legata all’immagine contemporanea e alle sue molteplici declinazioni.

© Santu Mofokeng, dalla serie Landscapes
© Santu Mofokeng, dalla serie Landscapes

Il premio in denaro è di crica 70 mila euro.

Per la categoria Premio Fotografia italiana under 40 è Alessio Zemoz (1985) a vincere, con il suo lavoro di ricerca sui paesaggi abbandonati della Valle d’Aosta.

© Alessio Zemoz - Lo Vaco:Il Vuoto
© Alessio Zemoz – Lo Vaco:Il Vuoto

Le mostre personali dei vincitori saranno aperte fino all’8 maggio al Foro Boario (Modena).

Info: www.fondazionefotografia.org

La Milano di ieri e di oggi in mostra al Piccolo Teatro Grassi | 14-26 marzo

3 scatti x 100 anni: Milano, allora, ieri e oggi

In mostra le fotografie vincenti del contest che ha chiesto di raccontare la città di oggi, nel confronto con il reportage Anni Settanta di Pigi Rabolini e con le storiche immagini dell’Archivio Alinari.

Per essere una prima edizione è già stata capace di raggiungere sorprendenti risultati in termini di adesioni. Coinvolgendo oltre 160 partecipanti, in gran parte giovani e giovanissimi in arrivo dalle scuole del capoluogo e del suo territorio, e raccogliendo più di 800 immagini, tante quelle inviate per testimoniare e condividere  il volto della metropoli che cambia. Questi gli ottimi numeri di “3 scatti x 100 anni – Milano, allora, ieri e oggi”, contest fotografico che ha chiesto alla città di raccontarsi “dal basso”, attraverso cioè lo sguardo di chi la vive e la attraversa ogni giorno. E che è giunto ora all’atto conclusivo: la proclamazione dei vincitori, con assegnazione dei premi, e l’esposizione degli scatti ritenuti più meritevoli nella cornice del Piccolo Teatro Grassi (Chiostro Nina Vinchi, via Rovello 2). I nomi dei fotografi vincenti saranno rivelati lunedì 14 marzo dalle ore 18:00, in concomitanza con l’inaugurazione della mostra dove fino al 26 marzo saranno esposti gli scatti vincitori insieme alle foto storiche di inizio ‘900 e degli anni ’70.

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Il progetto nasce nel nome di Pigi Rabolini, entusiasta fotoamatore che negli Anni Settanta scatta immagini di alcuni luoghi iconici di Milano, ricreando le identiche inquadrature che compaiono in una serie di fotografie di inizio secolo custodite nell’archivio Alinari. Il concorso parte da questo lavoro di ricerca, compiendo un passo ulteriore: documentare come il tessuto e il paesaggio urbano sono nuovamente mutati negli ultimi quarant’anni. Rispetto ai punti di interesse individuati a suo tempo da Rabolini, il censimento spontaneo operato dai partecipanti ha aggiunto nuovi punti sulla mappa della Milano più amata e vissuta: con la grande attenzione riservata al rinnovato quartiere di Porta Nuova – Varesine e al complesso in costruzione di City Life.

Tre le sezioni in concorso. Reportage, riservata agli studenti delle scuole medie superiori, delle università e delle scuole di fotografia, ha invitato a ripercorrere per intero l’itinerario di venti dei luoghi scelti a suo tempo da Rabolini. Sguardi, aperta a tutti, ha chiesto di presentare la singola immagine di uno dei venti luoghi immortalati a suo tempo da Rabolini, concentrandosi in  modo specifico sulla qualità artistica e sul valore creativo; Visioni, anch’essa aperta a tutti, ha ammesso invece fino a un massimo di tre scatti, dedicati ad uno qualsiasi dei punti che simboleggino la Milano che guarda al futuro. Al progetto vincitore della prima sezione il premio più consistente, fissato in 5.000 euro; a ciascuno dei primi classificati nelle altre categorie un riconoscimento di 2.000 euro.

La giuria chiamata a definire i progetti vincenti è composta dal fotografo Aurelio Amendola, dalla presidente della Fondazione Pasquinelli Giuseppina Antognini, dalla presidente dell’Ordine degli Architetti della Provincia di Milano Valeria Bottelli, dal direttore del Piccolo Teatro di Milano Sergio Escobar, dal presidente dell’Associazione Chiamale Storie Alberto Maggi, dall’avvocato milanese Antonio Lodovico Magnocavallo, dalla Presidente della Fondazione del Salone Internazionale del libro di Torino Giovanna Milella e dalla responsabile Archivi digitali e progetti speciali dell’Archivio fotografico Fratelli Alinari Rita Scartoni.

Il concorso 3 scatti x 100 anni – Milano, allora, ieri e oggi è ideato dall’Associazione Chiamale Storie all’interno del progetto memoMI, il sito web che racconta la memoria di Milano; in collaborazione con il Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa e l’Archivio fotografico Fratelli Alinari. Con il patrocinio di Città metropolitana di Milano e Ordine degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori della Provincia di Milano.


 

Milano, dal 15 al 26 marzo 2016

(Inaugurazione: 14 marzo 2016, h. 18:00 – per accrediti: info@milano3x100.it)
3 scatti x 100 anni – Milano, allora, ieri e oggi
Piccolo Teatro Grassi, Chiostro Nina Vinchi – via Rovello, 2
Orari: 9:00 – 22:00
Ingresso libero

Bruno Cattani “The Memory Box” – Palazzo Ducale Genova

30a967cb-2f79-4da7-86b5-8f7d7b1bb3a9Un viaggio nel passato che rivive nel presente dove la memoria personale e quella collettiva diventano un tutt’uno restituendoci le rievocazioni della nostra vita.
Dal 12 Marzo al 3 Aprile 2016 in esposizione al Palazzo Ducale di Genova più di 40 foto tratte dal lavoro “Memorie
Inaugurazione: venerdì 11 Marzo 2016, ore 18.00
Sala Liguria, Palazzo Ducale, piazza Matteotti 9, Genova

Dal Lunedì alla Domenica, 10.00-19.00

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MEMORIE sono momenti trascorsi, catturati attraverso frammenti di reale che ci restituiscono emozioni di vite e situazioni che non sono più. Sono volti, oggetti, luoghi e giocattoli che ci guidano in un viaggio nel passato per farlo rivive nel presente; sono un luogo dove personale e collettivo si uniscono in reminiscenze di vita.

 

 

 

 

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Elliott Erwitt arriva a Terni con “Icons”

1955 CALIFORNIA, United States -- 1955. Image envoyé à Ludovica Pallegatta (Transaction : 632780884291875000) © Elliott Erwitt / Magnum Photos

Esposte a Terni le immagini più rappresentative della produzione artistica di uno dei più grandi fotografi e poeti di tutti i tempi. 

CAOS – centro arti opificio siri, ospita, dal 5 febbraio al 30 aprile 2016, la mostra Elliot Erwitt ICONS, un progetto espositivo di Civita e SudEst57, a cura di Biba Giacchetti, promossa dal Comune di Terni in collaborazione con Indisciplinarte.

USA. North Carolina. 1950.
USA. North Carolina. 1950.

La mostra ripercorre la carriera e i temi principali della poetica del grande fotografo e artista americano Elliott Erwitt (1928), attraverso 42 scatti da lui stesso selezionati come i più rappresentativi della sua produzione artistica. Sarà esposta inoltre una serie di 9 autoritratti, esclusivi di questa mostra, che costituiscono un “evento nell’evento”.
Tra gli autoritratti esposti anche quelli a colori in cui l’artista veste i panni di André S. Solidor, alter ego inventato per ironizzare sul mondo dell’arte contemporanea e sui suoi stereotipi. Andrè S. Solidor (si noti l’acronimo irriverente) ed Elliott Erwitt saranno anche protagonisti del film “I Bark At Dogs” che sarà proiettato in mostra.

1955 CALIFORNIA, United States -- 1955. Image envoyé à Ludovica Pallegatta (Transaction : 632780884291875000) © Elliott Erwitt / Magnum Photos
1955 CALIFORNIA, United States – 1955.
© Elliott Erwitt / Magnum Photos

Grande autore Magnum, reclutato nel 1953 all’interno della celebre agenzia direttamente da Robert Capa, Elliott Erwitt ha firmato immagini diventate icone del Novecento. Tra queste, in mostra a Terni alcune delle più celebri: il bacio dei due innamorati nello specchietto retrovisore di un’automobile, una splendida Grace Kelly al ballo del suo fidanzamento, un’affranta Jacqueline Kennedy al funerale del marito, i ritratti di Che Guevara e Marilyn Monroe, alcune foto appartenenti alla serie di incontri tra i cani e i loro padroni, iniziata nel 1946.
E ancora, gli scatti che Erwitt, reporter sempre in viaggio, ha raccolto per il mondo, a contatto con i grandi del Novecento ma anche con la gente comune. E i paesaggi, le metropoli. Gli scatti di denuncia, in cui al suo sguardo di grande narratore, si mescola sempre ironia e leggerezza, e la sua capacità di trovare i lati surreali e buffi anche nelle situazioni più drammatiche.

La mostra sarà corredata da una esclusiva pubblicazione curata da Erwitt stesso in collaborazione con Sudest57 e disegnata da Anders Weinar. Una collezione di stampe rilegate ed amovibili, ciascuna con testi inediti di backstage, scritti da Biba Giacchetti che collabora con Erwitt da circa 20 anni.

FRANCE. Provence. 1955.
FRANCE. Provence. 1955.

Elliott Erwitt è nato in Francia da una famiglia di emigrati russi, nel 1928. Passa i suoi primi anni in Italia. A 10 anni si trasferisce con la famiglia in Francia e da qui negli Stati Uniti nel 1939, stabilendosi dapprima a New York, poi, dopo due anni, a Los Angeles. Nei primi anni ‘50, Erwitt dopo aver soggiornato a Pittsburg, in Germania e in Francia, si stabilisce a New York, città che elegge sua base operativa. Dotato di flessibilità e spirito di adattamento, Erwitt ha viaggiato in tutto il mondo. Durante i suoi studi alla Hollywood High School, Erwitt lavora in un laboratorio di fotografia sviluppando stampe “firmate” per i fan delle star di Hollywood. Nel 1949 torna in Europa, viaggiando e immortalando realtà e volti in Italia e Francia. Questi anni segnano l’inizio della sua carriera di fotografo professionista. Chiamato dall’esercito americano nel 1951 continua a lavorare per varie pubblicazioni e, contemporaneamente, anche per l’esercito americano stesso, mentre soggiorna in New Jersey, Germania e Francia.
La grande opportunità gli viene offerta dall’incontro, durante le sue incursioni newyorchesi a caccia di lavoro, con personalità come Edward Steichen, Robert Capa e Roy Stryker che amano le sue fotografie al punto da diventare suoi mentori. Nel 1953 congedato dall’esercito, Elliott Erwitt viene invitato da Robert Capa, socio fondatore, ad unirsi a Magnum Photos in qualità di membro fino a diventarne presidente nel 1968.

USA. New York. 1956. American actress Marilyn MONROE.
USA. New York. 1956. American actress Marilyn MONROE.

Oggi Erwitt è riconosciuto come uno dei più grandi fotografi di tutti i tempi. I libri di Erwitt, i saggi giornalistici, le illustrazioni e le sue campagne pubblicitarie sono apparse su pubblicazioni di tutto il mondo per oltre quarant’anni. Pur continuando il suo lavoro di fotografo Elliot Erwitt negli anni ‘70 comincia a girare dei film. Tra i suoi documentari si ricordano Beauty Knows No Pain (1971) Red White and Blue Glass (1973) premiato dall’American Film Institute e The Glass Makers of Herat (1997).

Negli anni ‘80 Elliott Erwitt produce 17 commedie satiriche per la televisione per la Home Box Office. Dagli anni ‘90 fino ad oggi continua a svolgere un’intensa vita professionale che tocca gli aspetti più disparati della fotografia.
Tra le sedi espositive più prestigiose dove Erwitt ha presentato i suoi lavori, si segnala The Museum of Modern Art a New York, The Chicago Art Institute, The Smithsonian Institution a Washington D.C., The Museum of Modern Art di Parigi (Palais de Tokyo), The Kunsthaus a Zurigo, il Museo Reina Sofia a Madrid, The Barbican a Londra, The Royal Photografic Society a Bath, The Museum of Art del New South Wales a Sydney.
Attualmente i libri pubblicati da Erwitt sono più di 45.

Elliott ERWITT, New York City, 1999

In occasione della mostra, le proposte didattiche del CAOS – a cura di Coopsociale ACTL, Coopsociale ALIS e Indisciplinarte SRL – sono un’occasione di riflessione e approfondimento sulla teoria e sulla pratica fotografica di un artista che, attraverso la rappresentazione del quotidiano, ha attribuito valore e riconosciuto importanza all’ironia come chiave interpretativa delle cose della vita. Le attività saranno rivolte alle scuole di ogni ordine e grado e all’utenza libera dai 4 ai 18 anni con percorsi tematici e laboratori articolati per fasce di età. Sono previste, inoltre, visite guidate per adulti e gruppi solo su prenotazione scrivendo all’indirizzo didattica@indisciplinarte.it o contattando il numero 0744/285946.

USA. New York. 1999.
USA. New York. 1999.

Orari
Dal martedì alla domenica dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 19.00. Lunedì chiuso
Dal 27 marzo: dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 17.00 alle 20.00

E’ possibile acquistare il biglietto d’ingresso presso le biglietterie del CAOS
in viale Campofregoso 98, secondo i giorni e gli orari di apertura della mostra.

Biglietti:
Intero 5€
Ridotto 3,50€ (per under 25 anni, gruppi di almeno 20 paganti)
Gratuito: per bambini fino a 6 anni, portatore handicap e accompagnatore,
guide turistiche dell’Unione Europea.
La mostra non rientra nella gratuità della prima domenica del mese.

Informazioni
tel. 0744/285946 – www.caos.museum

SOMEWHERE – Luisa Menazzi Moretti

Una significativa mostra fotografica illustra le tappe del percorso artistico e creativo di Luisa Menazzi Moretti nella prestigiosa cornice di Villa Manin – Esedra di Levante dal 12 marzo al 15 maggio 2016.
Somewhere. Luisa Menazzi Moretti” è curata da Valerio Dehò e organizzata dall’ Azienda Speciale Villa Manin.


Il percorso si snoda attraverso nuclei tematici connessi tra loro, che l’artista presenta in 5 serie: Cose di natura, Words, P Greco, Solo e Ingredients for a Thought, ognuna delle quali è una narrazione, un racconto che indaga su temi diversi legati alla natura, al sociale, all’interiorità e intende creare, attraverso una forte carica partecipativa, una prospettiva multipla oltre a sollecitare una pluralità di interpretazioni.

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© Luisa Menazzi Moretti, Petalo e Foglia, 2012

Gli scatti di Luisa Menazzi Moretti, caratterizzati da una continuità di linguaggio, rispecchiano una realtà ricca di sfaccettature, la cui lettura si completa con la presenza e il contributo dello spettatore; una visione totalmente aperta al confronto e alla condivisione, che stimola chi guarda ad immaginare, a pensare, ad esprimersi.

Nei 20 lavori a colori della serie Cose di natura, scorci di realtà conducono in una dimensione metaforica, densa demozioni. Gli elementi naturali sono infatti simboli che alludono non solo alla bellezza, all’armonia e all’equilibrio,ma anche alla desolazione e alla devastazione, come testimoniano Petalo e Foglia (2012), Mare (2014) o Campo (2012). Della natura emergono il forte carattere rigenerativo e la possibilità di vita che non si esaurisce, ma continua.

 

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© Luisa Menazzi Moretti, Imprevisto, 2014

Una connessione inscindibile con le parole viene creata invece con Words, fotografie dove frammenti di testi raccontano brandelli di storie, di vite, di attimi, immortalati poco prima che andassero persi, buttati, modificati. Ogni immagine è affiancata da un testo critico inedito di personaggi noti del panorama culturale nazionale: intellettuali, scrittori, giornalisti, artisti, critici fra cui Alberto Abruzzese, Francesco Bonami, Elio De Capitani, Leandra D’Antone, Gabriele Frasca, Paolo Rossi, Tiziano Scarpa che non intendono fornire un’interpretazione, ma creare un ulteriore spunto di riflessione.

Molto rappresentativa è Anima (2013), il cui soggetto è una lettera di un internato nel campo di concentramento di Dachau, nella quale sono contenute parole piene di speranza, non consapevoli di un destino tragicamente segnato. In questa sezione emerge inoltre l’importanza della parola e della scrittura nel vissuto dell’artista tramite un piccolo nucleo di immagini autobiografiche che si ispirano all’infanzia e agli avvenimenti significativi della sua vita.

Luisa Menazzi Moretti_Solo 10_2013_stampa giclee_carta puro cotone_cm 25x25
© Luisa Menazzi Moretti

Di forte impatto sono le due sale successive il cui allestimento prevede ambienti oscurati e sottofondi musicali, che contribuiscono a sottolineare il gioco di luce e ombra caratterizzante tutta la mostra. P Greco, accompagnata da “Paradise Circus” dei Massive Attack, raccoglie scatti dedicati alla simbologia della forma circolare, esaltandone alcuni aspetti ad essa connessi; ne sono esempi le fotografie Whenua, parola della lingua Mahori dal duplice significato di “terra” e “placenta”; Imprevisto che rimanda alla sorpresa in una vita troppo retta e monotona; Testimone un bulbo oculare inteso come registro di cose vissute; Fuga un foro circolare nelle crepe di un muro attraverso il quale evadere.

In linea con una ricerca che sconfina oltre la dimensione reale è la serie più recente e inedita Solo, che ben si unisce alle note di “21 Grammi” di Ludovico Einaudi e che il curatore Valerio Dehò così descrive: “la serie ‘Solo’ rappresenta forse al meglio la sensibilità della Menazzi Moretti per quel qualcosa che non possiamo nominare esplicitamente, che è appunto ineffabile, ma che possiamo soltanto collocare in un altrove che vuol dire semplicemente che non è qui, vicino a noi”. Attraverso questi scatti l’artista immagina infatti una dimensione atemporale e trasmette gli stati d’animo di un viaggio verso l’ignoto tramite volti di uomini, donne e bambini.
L’utilizzo di filtri e sovrapposizioni contribuisce a creare una sospensione, una sorta di distacco, una proiezione di una realtà ultraterrena. Ne sono esempio Solo #10, Solo #1, Solo #8, che alternano sentimenti di incertezza, inquietudine, riflessione e pace.
Il percorso espositivo si conclude con le opere Ingredients for a Thought che approfondiscono il tema dell’alimentazione, in esso l’autrice riconosce il linguaggio assoluto delle società contemporanee e attraverso una ricca sequenza di simboli legati al colore, all’infanzia, alle parole, come si osserva in Christmast Balls, The Choice, Drop, ricrea una dimensione ludica che fa del cibo un intermediario fra sensi e memoria.
Accompagna la mostra un catalogo edito da Gente di Fotografia con testi in italiano e in inglese di Luisa Menazzi Moretti, Valerio Dehò e Antonio Giusa.

Info:
Sede Villa Manin – Esedra di Levante, Passariano di Codroipo (Udine)
Date 12 marzo – 15 maggio 2016
Preview stampa venerdì 11 marzo, ore 11.30
Inaugurazione venerdì 11 marzo, ore 18
Orari martedì – venerdì ore 15 – 19; sabato – domenica ore 10 – 19
lunedì chiuso ad eccezione 28 marzo, 25 aprile, 1 e 6 maggio (aperto 10-19)
Ingresso libero
Info pubblico tel. 0432 821211 – info@villamanin.it – www.villamanin.it

A Orvieto arriva il Festival della Fotografia / 26-28 febbraio


Parte ufficialmente venerdì 26 febbraio “Orvieto 2016“, la famosa convention annuale di fotografia, video e comunicazione rivolta a professionisti, appassionati e studenti. Ecco il programma: “MUTAMENTI” Convention FIOF 2016.

mutamenti

Venerdì 26 febbraio 2016
14.30 – 18.30: Antonio Manta (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
18.30 – 19.30: “L’in-finito viaggio di un foto-amatore – storytelling di Antonella Dargenio (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
15.00 – 18.00: Hermes Mangialardo- Hyperlapse (Sala Etrusca Palazzo del Popolo);
18.00 – 19.00: Fabrizio Oggiano e Chuck Ford – Rap renderizzato (Sala Etrusca Palazzo del Popolo);

Sabato 27 febbraio 2016
9.00 – 10.00: Lecture con Francesco Cito – Mutamenti… il reportage (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
10.00 – 11.00: Lecture con Maurizio Galimberti – Mutamenti… dalla polaroid ad Instagram (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
11.00 – 12.00: Lecture con Eolo Perfido – Mutamenti… fotografia artistica e creativa (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
12.00 – 13.00: Lecture con Cinzia Bruschini -Mutamenti… wedding photography (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
15.00 – 16.00: Lecture con Cristiano Ostinelli – Mutamenti… wedding photography (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
16.00 – 18.00: Masterclass con Valerio Bispuri: “Dentro una storia”, il lavoro del fotoreporter oggi e il rapporto che ha con le storie che racconta (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
18.00 – 19.00: FIOF per il sociale – “Il viaggio di un pellegrino” con Antonio Gibotta, proiezione e dibattito; “Dai colore alla vita”: Presentazione progetto realizzato a Lourdes, in collaborazione con Unitalsi Nazionale (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);

15.00 – 17.00: Workshop con Filippo Chiesa – Ottiche varie e vintage (Sala Etrusca Palazzo del Popolo);
17.00 – 19.00: Workshop con Thelma&Friends (Sala Etrusca Palazzo del Popolo);
21.00: Serata di Gala – Premiazioni FIIPA, Wedding contest, Video Award, Qualificazioni, Miglior Azienda, Premiazione autori IMAGO.it.

Domenica 28 febbraio 2016
9.00 – 10.00: Conference con Nicholas Javed – fashion photography (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
10.15 – 11.15: Conference con Denis Curti – Il fascino Ambiguo della Fotografia (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
11.30 – 12.30: Seminario a cura di ISP – Italian Street Photography Angelo Ferrillo e Gianluca Polazzo Angelo Ferrillo e Gianluca Polazzo: La Street e il reportage, una mutazione di genere? (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);
15.00 – 17.00: Giovanna Griffo – Tecniche avanzate di fotoritocco nella fotografia fashion, glamour, commercial (Livello: Intermedio/Avanzato – Software: Photoshop, Bridge) (Sala dei 400 Palazzo del Popolo);

Workshop con Santi Veiga: wedding film – Santi Veiga è il videomaker matrimonialista spagnolo più premiato degli ultimi anni.

Presto renderemo note le location e i nomi dei fotografi in mostra.

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Robert Capa in Italia – San Gimignano

Arriva a San Gimignano presso la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea “Raffaele De Grada” la mostra dedicata al grande fotoreporter di guerra  Robert Capa, che racconta con 78 immagini in bianco e nero gli anni della seconda guerra mondiale in Italia.

Considerato da alcuni il padre del fotogiornalismo, da altri colui che al fotogiornalismo ha dato una nuova veste e una nuova direzione, Robert Capa (Budapest, 1913 – Thái Binh, Vietnam, 1954) pur non essendo un soldato, visse la maggior parte della sua vita sui campi di battaglia, vicino alla scena, spesso al dolore, a documentare i fatti: “se le tue fotografie non sono all’altezza, non eri abbastanza vicino”, ha confessato più volte.

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In oltre vent’anni di attività ha seguito i cinque maggiori conflitti mondiali: la guerra civile spagnola, la guerra sino-giapponese, la seconda guerra mondiale, la guerra arabo-israeliana del 1948 e la prima guerra d’Indocina. Il Comune di San Gimignano, il Museo Nazionale Ungherese di Budapest, la Fratelli Alinari, Fondazione per la Storia della Fotografia in collaborazione con Opera-Gruppo Civita gli dedicano una mostra che raccoglie le fotografie scattate in Italia nel biennio 1943 – 44. L’esposizione è curata da Beatrix Lengyel ed è stata ideata e promossa in collaborazione con il Museo Nazionale Ungherese di Budapest e il Ministero delle Risorse Umane d’Ungheria.

A settanta anni di distanza, la mostra racconta lo sbarco degli Alleati in Italia con una selezione di fotografie provenienti dalla serie Robert Capa Master Selection III conservata a Budapest e acquisita dal Museo Nazionale Ungherese tra la fine del 2008 e l’inizio del 2009. La serie, composta da 937 fotografie scattate da Capa in 23 paesi di 4 continenti, è una delle tre Master Selection realizzate da Cornell, fratello di Robert Capa, anch’egli fotografo, e da Richard Whelan, biografo di Capa, all’inizio degli anni Novanta e oggi conservate a New York, Tokyo e Budapest. Le serie, identiche tra loro e denominate Master Selection I, II e III, provengono dalla collezione dell’International Center of Photography di New York, dove è conservata l’eredità di Capa.

Esiliato dall’Ungheria nel 1931, Robert Capa inizia la sua attività di fotoreporter a Berlino e diventa famoso per le sue fotografie scattate durante la guerra civile spagnola tra il 1936 il 1939. Quando arriva in Italia come corrispondente di guerra, ritrae la vita dei soldati e dei civili, dallo sbarco in Sicilia fino ad Anzio: un viaggio fotografico, con scatti che vanno dal luglio 1943 al febbraio 1944 per rivelare, con un’umanità priva di retorica, le tante facce della guerra spingendosi fin dentro il cuore del conflitto.

Le immagini colpiscono ancora oggi per la loro immediatezza e per l’empatia che scatenano in chi le guarda. Lo spiega perfettamente John Steinbeck in occasione della pubblicazione commemorativa di alcune fotografie di Robert Capa “Capa sapeva cosa cercare e cosa farne dopo averlo trovato. Sapeva, ad esempio, che non si può ritrarre la guerra, perché è soprattutto un’emozione. Ma lui è riuscito a fotografare quell’emozione conoscendola da vicino”.

Ed è così che Capa racconta la resa di Palermo, la posta centrale di Napoli distrutta da una bomba ad orologeria o il funerale delle giovanissime vittime delle famose Quattro Giornate di Napoli. E ancora, vicino a Montecassino, la gente che fugge dalle montagne dove impazzano i combattimenti e i soldati alleati accolti a Monreale dalla gente o in perlustrazione in campi opachi di fumo, fermo immagine di una guerra dove cercano – nelle brevi pause – anche il recupero di brandelli di umanità.

Settantotto fotografie per mostrare una guerra fatta di gente comune, di piccoli paesi uguali in tutto il mondo ridotti in macerie, di soldati e civili, vittime di una stessa strage. L’obiettivo di Robert Capa tratta tutti con la stessa solidarietà, fermando la paura, l’attesa, l’attimo prima dello sparo, il riposo, la speranza.
Così Ernest Hemingway, nel ricordare la scomparsa, descrive il fotografo: “Ѐ stato un buon amico e un grande e coraggiosissimo fotografo. Era talmente vivo che uno deve mettercela tutta per pensarlo morto”.
Accompagna la mostra un catalogo con testi di Beatrix Lengyel, Ilona Stemlerné Balog, Éva Fisli e Luigi Tomassini, bilingue italiano/inglese, di 192 pagine e 80 fotografie. È una coedizione Museo Nazionale Ungherese di Budapest e Fratelli Alinari, Fondazione per la Storia della Fotografia, prezzo di copertina 35 euro, prezzo speciale in mostra 30

Informazioni

Sede espositiva
San Gimignano,  Via Folgore da San Gimignano 11
Galleria di Arte Moderna e Contemporanea “Raffaele De Grada”

www.sangimignanomusei.it
prenotazioni@sangimignanomusei.it
call center info e booking  0577/286300

Parigi ospita il grande Ugo Mulas

A Parigi sbarca uno dei più grandi fotografi italiani del XX secolo: Ugo Mulas.

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Andy Warhol, Philip Fagan and Gerard Malanga, New York, 1964, © Andy Warhol, Philip Fagan and Gerard Malanga, New York, 1964, © Estate Ugo Mulas, Milano – Courtesy Galleria Lia Rumma, Milano / Napoli

La Fondazione Henri Cartier-Bresson – fino al 24 aprile – ospita circa 60 fotografie vintage in bianco e nero, tutte selezionate dall’autore italiano per il suo leggendario libro La fotografia, pubblicato da Einaudi nel 1973.

Sessanta scatti che svariano dal ritratto degli artisti italiani e newyorkesi al fotoreportage d’autore della Biennale di Venezia del 1954, per concludere con le immancabili Verifiche, vero e proprio testamento artistico che riflette sulla pratica stessa del fare fotografia, interrogandosi sulle sue intenzioni e finalità.

Proprio negli scatti in mostra, possiamo ancora percepire l’intima relazione che Mulas aveva sviluppato con ciascuno degli artisti ritratti. Al di là del valore documentario di queste fotografie, è evidente come si fondino su una narrazione, su spunti biografici e autobiografici assieme, che soltanto una conoscenza approfondita poteva cogliere in modo così diretto e informale.

contact@henricartierbresson.org
www.henricartierbresson.org

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